La Vida Talentosa

Fue terminar de verla y volver a apretar el play.
LA VIDA EN ROSA, película del 2007 dirigida por Olivier Dahan que trata sobre la vida de Edith Piaf, es una de esas películas que uno reconoce larga y de tremendo peso emocional pero que insiste en volver a ver. Y una de las mayores atracciones que tiene esta película es la actuación de su protagonista, Marion Cotillard como la penetrante artista (y también sufrida, fascinante, controversial, encantadora, monstruosa, diva al fin) Edith Piaf e interactuando con una genialísima Sylvie Testud.

A Marion, de tan solo treinta y tres años, se le calcula la participación en unos ocho cortometrajes, cinco series de televisión y veintisiete largometrajes, entre ellos “EL GRAN PEZ” de Tim Burton (haciendo de Josephine) , “TAXI” de Luc Besson, “LARGO DOMINGO DE NOVIAZGO” de Jean Pierre Jeunet y “MARY” de Abel Ferrara, trabajos por los que ganó, o fue nominada, a premios de peso en el mundo cinematográfico.
Es más, solo por su protagónico en LA VIDA EN ROSA ganó el Premio a Mejor Actriz en TODOS LOS FESTIVALES DE PESO EN EL MUNDO CINEMATOGRÁFICO (Globo de Oro, Oscar, César, BAFTA y Sindicato de Actores)

Y se los merece de sobra, les diré. Marion es realmente talentosa y nada tonta. Esto último se confirma en esa fuerte declaración que hizo en “Paris Premiere”, en la que muy lúcida, y refiriéndose a la posible conspiración sobre el tema del 11 de septiembre, la bella actriz deslizó: ”¿Te muestran otras torres del mismo tipo, golpeadas por aviones, que hayan ardido??? Hay una torre en España que ardió durante 24 horas y nunca se derrumbó, y allí en unos minutos, todo se cae…”. Acto seguido Marion reconoce ocuparse de buscar otras voces en las teorías conspirativas de varios temas, (entre ellos si realmente el hombre pisó la luna), para lo que finalmente sentencia: ”no creo en todo lo que me dicen”.

Desenfadada y genial, Marion es simplemente brillante, y es digno de destacar el acierto al elegirla para interpretar a alguien tan fascinante como Edith Piaf.
Al ver la película otra vez, pasando por la escena de plano secuencia (sin corte alguno) llegando al final, donde una casi derrotada Edith termina uno de sus desbordes emocionales en un escenario (como siempre hizo, como nunca pudo dejar de hacer esta genial cantante) uno se da cuenta que como actriz, Marion tiene para rato, que más premios la esperan y que su peso actoral es concluyente.

La bella Marion tiene una vida en rosa, una vida talentosa. Marion dice lo que piensa, esgrime lo que cree, y no le importa nada de nada. Rian de rian. Como a Edith.

¡Ándale Manito!

Ocho meses despues de nacido el cine en Francia, México recibía la visita del nuevo invento, de ahí que se transformó en un “hermano mayor” en el tema, y eso es indiscutible: el cine mexicano es el mejor de América. En la última década de 1800, México descubría la fuerza documental junto con los rusos y Pancho Villa filmaba sus batallas, si LAS FILMABA para productores estadounidenses. Luego de la revolución se estancó un poco, pero renació en los años 30 con películas inolvidables como ALLÁ EN EL RANCHO GRANDE, con Tito Guízar.

La apoteosis fue en los años 40 con los cómicos Cantinflas y Medel y por otro lado con obras importantísimas como LOS OLVIDADOS de Luis Buñuel. En esa época surgieron grandes figuras como Pedro Infante, María Félix y Jorge Negrete. Durante los 50 y 60 Hollywood lo aplastó con su propaganda y el cine mexicano limitó su producción a dramas con guiones básicos. En los 70 la autocensura hizo su peor trabajo y el cine mexicano se silenció estrepitosamente. Los hermanos Almada comenzaron tocando el tema del narcotráfico y la acción urbana durante los 80, también en esa época tuvieron gran éxito las “ficheras”, películas picarescas sin demasiada trama.
Durante los 90 el cine mexicano retoma su liderazgo con películas de directores consagrados como Arturo Ripstein, quien es en la actualidad el director mexicano con más trascendencia internacional. Razones hay de sobra, si no, vea EL EVANGELIO DE LAS MARAVILLAS , EL CORONEL NO TIENE QUIEN LE ESCRIBA o LA VIRGEN DE LA LUJURIA, su última película.

Si le interesa divertirse con humor mexicanote, recomiendo LA LEY DE HERODES de Luis Estrada, película injustamente censurada que lleva a la pantalla la farsa política de manera hilarante. Si la idea es empaparse de los nuevos cineastas que están haciendo historia y llevándose todos los premios de academias extranjeras, puedo recomendar EL LABERINTO DEL FAUNO del genial (genialísimo) Guillermo del Toro (imaginaciones desbordante si las hay!) , LOS NIÑOS DEL HOMBRE de Alfonso Cuarón (director también de un episodio de Harry Potter) o directamente BABEL, de González Iñarritu, reciente ganador del Globo de Oro 2006 a la mejor película extranjera.

Insisto en que no fue casual, nada casual que el cine haya elegido México para aterrizar como primer destino en América. Los mexicanos saben hacer cine, conocen el tema, inventan y reinventan el lenguaje cinematográfico sorprendiéndonos. México sabe de cine, y mucho.

Independientes... ¿éramos los de antes?

Algunos dicen que el independiente fue el primer y mejor estado del cine, un estado primario que le permitía respetar el espíritu de la historia, una historia que era generalmente esbozaba por el creador en un papel arrugado, más que escrita en un programa de guión con un nombre largo en inglés (este último, plagado de exactitudes de tiempo y espacio).

Y si, suena como una descripción romántica con musiquita de Morricone atrás, pero capaz que tienen razón y este cine era realmente autónomo. A lo mejor sí sostenía su soberanía en el hecho de no ser un mero negocio, de no pretender ser diferente. Capaz que este cine no se sentía una moda, no llevaba el rótulo estampado “clase B”, y hasta puede que no luchara contra nada, que haya vivido y muerto respetando solo el SER , el existir no más.

Saliendo de la teoría apocalíptica sobre la independencia artística, uno se pregunta: ¿qué es ser independiente? ¿Tratar temas nuevos? ¿Trabajar con bajo presupuesto? ¿Ser de un país o de otro? ¿Qué marca la independencia en realidad? Y ahí asoman los íconos del caso y en esa valoración pareciera morir su santísima independencia. Entonces hablamos de ellos por épocas: que Resnais, que Manoel de Oliveira, que Nanni Moretti, que Kiarostami, que Takeshi Kitano, que Vinterberg o Von Trier, o los criollos Trapero y Rejtman. Ahí aparece también el público y algun crítico trasnochado que sentencia: “esta película es rara, casi no hablan, mucho menos ser ríen, no la entiendo, me marean los planos y la “cámara en mano” ...ah, es arte, pero del bueno, del independiente...”

Ser independiente no creo que sea tocar un tema nuevo (¿son posibles los temas nuevos?), ni tratar de dignificarse trabajando con bajo presupuesto, tampoco es aspirar a crear un nuevo lenguaje. La independencia en el cine no se viste raro ni se hace extraños cortes de pelo, supera esas características triviales, radica en realidad en hacerle caso a ese impulso elemental del que quiere hacer cine, intentando superar el hedonismo primario de esforzarse en ser diferente y exponiéndose naturalmente a hacer un mamarracho si es que así le sale. Agarrando la cámara no más, y saliendo a filmar.

Tu Muda Elocuencia, Viggo

El otro día oía a una periodista española criticar la voz de Viggo Mortensen en ALATRISTE, película dirigida por Agustín Díaz Yánez, basada en una novela del escritor Arturo Pérez-Reverte. Estoy convencida que esta joven no vio más películas con este actor, si no, ese detallito de “que si el acento leonés o no acento leonés”, hubiera pasado desapercibido.

Viggo Mortensen ha protagonizado más de cuarenta películas, entre las cuales ha desempeñado roles de gran profundidad psicológica como en “UNA HISTORIA DE VIOLENCIA” de David Cronenberg, donde lleva a adelante a Tom Stall, un cándido padre de familia con un pasado que lo alcanza, junto con la mafia que lo busca por su nombre real: Joey Cusick. Una película recomendable por donde se la mire: no solo está Viggo Mortensen , sino que lo acompaña una talentosa María Bello, el incomparable Ed Harris y un maestro de maestros como William Hurt.
También en “PROMESAS DEL ESTE” Viggo se la juega con un personaje denso como Nicolai, un mafioso ruso con una historia diferente, rol que lo llevó a ser nominado al Oscar en el 2007. En este film lleva adelante un duelo actoral con el igual de talentoso, Vincent Cassel.
La última película que Viggo protagonizó, es “APPALOOSA” donde comparte nuevamente con Ed Harris (quien coescribió el guión y dirigió el film) y da vida a un sheriff que se maneja con una tremenda escopeta calibre ocho. Buena historia, buena puesta en escena, excelentes actores.

De más estar decir que en las más de cuarenta películas que Viggo protagonizó, no solo actúo, sino que más de una vez, pintó lo cuadros, hizo la música y puso caballos propios para la producción. Por eso Viggo es merecedor de nominaciones, de premios y de que paguemos una entrada para verlo. Por eso y por la última mirada que Viggo/Tom/Joey le da a su familia en “UNA HISTORIA DE VIOLENCIA”, en la última escena. Puedo asegurar que es la mirada muda más elocuente que se haya visto en el cine alguna vez.

La Imagen del Valiente

Hablar del cine y la pesca es algo bastante complicado, sobre todo para alguien como yo, que solo pesca con lata y en río. Pero confieso que encuentro una imagen/símbolo de apoteósica valentía, en ese pescador que descubro solitario en algún lago distante. Ese guerrero urbano que lejano a sus obligaciones cotidianas, se calza sus “bombachudos” de goma y se mete hasta la cintura a practicar pesca con mosca (a las ocho de la mañana y con la heladita patagónica levantándose remolona, y ahí está justamente la imagen de apoteósica valentía). Y eso justamente me recuerda la gran cantidad de películas o programas en los que la pesca es símbolo de algo, de un sueño, de un anhelo, de un miedo particular, de una pesadilla...sin ir mas lejos, podemos recordar EL GRAN PEZ, LA TORMENTA PERFECTA, o el programa documental PESCA MORTAL del Discovery Channel. También algunas escenas de películas de Stephen King en las que las aguas (o los seres que en ellas moran) se tornan una verdadera pesadilla para algún personaje que anda buscando serenidad en la práctica de la pesca, tal como mi “valiente patagónico”.

En estos días se abrio ya la temporada de pesca allá en la Patagonia, y esta imagen del pescador solitario que yo recuerdo como apoteosis de valentía se volverá a repetir en muchos lagos, y capaz que habrá muchas “retomas” (tomas repetidas) en la misma costa de lago de distintos aficionados que esperaban ansiosos el momento de ir a pescar, a ellos les recomiendo no ver ninguna película de Stephen King (será difícil conciliar el sueño en un campamento lejano después de verlas...) tampoco ver ESCAPES, una película de cortos de suspenso de los 90, en la que en una de sus historias, a un pescador le pasa lo peor que pudo haberle pasado.
En fin, ojalá se repita una y mil veces la imagen apoteósica del pescador que yo recuerdo y quien sabe, capaz que alguien anda con una Imax (o alguna cámara de calidad superior al convencional cine 35 mm), y puede captar el placer de la pesca en un lago patagónico...porque para captar tanta belleza, hace falta, definitivamente, cine 70 mm o similar...

Tiempo de Rumanos

Pasó en la última emisión del Festival de Cannes: una película muy dura, y más que singular, se llevaba la preciada Palma de Oro. ¿El título? “4 MESES, 3 SEMANAS Y 2 DÍAS”, ¿El director? Cristian Mungiu. ¿Los actores? Anamaria Marinca, Laura Vasiliu, Vlad Ivanov. ¿El país? Rumania, un lugar con una cinematografía bastante escondida en el contexto artístico europeo. Este premio no fue casual ni caprichoso, ya que Cannes venía apostando fichas a algunos realizadores del país balcánico, como fue el caso de la premiada “LA NOCHE DEL SEÑOR LAZARESCU” de Cristi Puiu, o el premio que se llevaron los belgas hermanos Dardenne, con “ROSETTA, EL HIJO Y EL NIÑO”.
Otro ejemplo del surgimiento rumano es el director Corneliu Porumboiu, que ganó la “Cámara de Oro” (premio a mejor director de ópera prima) en Cannes 2006 por “BUCAREST 12:08”, una película que muestra en tono de comedia una Rumania confundida a 16 años de la caída de la dictadura comunista, con personajes que festejaron el fin del régimen pero que, luego de muchos años, siguen igual que entonces. Toda una apuesta de Porumboiu (especialista en cuidados planos fijos y abiertos) en un país sin tanta tradición cinematográfica y que antes de 1989 solo filmaba propaganda política a favor del régimen de Ceaucescu.

¿Qué hace que hoy en día los grandes centros de la cinematografía mundial de fijen en este tipo de historias? La respuesta es simple: en este caso Rumania mostró una visión más fresca, dejando en evidencia la resequedad del viejo cine europeo frente a propuestas más innovadoras como la asiática o la latinoamericana. Con ese premio Cannes mostró que en lugares como Rumania hay realizadores que narran de manera efectiva y directa, y que en el cine del viejo continente todavía quedan historias novedosas que contar. Cannes notó claramente que llegó el tiempo de los rumanos.

El Cine sus Cadenas Rompió

Contra lo primero que atenta la esclavitud es contra la identidad. Es un brutal intento de deshumanización. Los criterios de oprimidos y opresores van variando según cambian los sistemas, pero la opresión sigue ahí, agazapada y mutando para sobrevivir. El cine se ha ocupado de retratarla en películas como “Espartaco” (1960) de Stanley Kubrik, en la que Espartaco esclavo es vendido a los gladiadores y luego termina liderando la lucha por la liberación. Podemos recordar “Queimada” del director Gillo Pontecorvo, con Marlon Brando, en la que un inglés va a una isla a tratar de sofocar una rebelión esclava. En orden cronológico (no de importancia) está “Salaam Bombay” de Mira Nair que nos muestra la realidad de algunas familias de la India que se ven presas de vidas inhumanas para sobrevivir. Más cerca en el tiempo tenemos la película “Amistad” de Spielberg, con Antony Hopkins y Morgan Freeman, en la que se cuenta la rebelión de esclavos en el barco “Amistad” mientras son trasladados a América. Abriendo el criterio a diferentes tipos de esclavitud, podemos clasificar a “Voces Inocentes” de Luis Mandoki (novela autobiográfica de Oscar Torres) como una película sobre el tema, que si bien trata la guerra civil de El Salvador, nos muestra también el brutal mundo de la esclavitud infantil en manos de la guerrilla. De veras una película interesante y dolorosa, pero con gran conciencia social.
“Super size me” es una película de Morgan Spurlock, este documental muestra la esclavitud asfixiante, viciosa y engordante que viven los ciudadanos de EEUU con la cadena McDonald’s. “Super size me” es una denuncia social particular en la que el mismo Spurlock se vuelve adicto a la comida chatarra hasta llegar al punto de que su salud corre serio peligro.
Las esclavitudes pueden ser antiguas, modernas, fundadas en el racismo, en lo político o en lo social, sea como fuere igualmente quitan la identidad, la voluntad, nos inmovilizan desde algún punto. Son esclavitudes al fin.

Luz, Cámara y ....Protección Oficial

El cine es un arma poderosa. Muy. Y eso lo sabe bien Vladimir Jotinenko, el director de “1612”, la película en la que el gobierno ruso gastó doce millones de dólares y que se transformó en uno de los principales elementos de celebración del 4 de noviembre, Día de la Unidad Popular, fiesta nacional que fue instaurada por el Kremlin en reemplazo del 7 de noviembre donde se recuerda el aniversario de la revolución bolchevique.

La película fue rodada en 100 días y cuenta con protección oficial, esto significa que el gobierno fiscaliza el guión de cabo a rabo, controla la verosimilitud de la historia e incide, de manera contundente, en la estrategia de marketing, cosa que la crítica suavice su opinión y la gente vaya a ver la película sin ningún tipo de controversialidad en su cabeza.
Lógicamente, para poner todo esto en marcha es evidente que la película gustó mucho al presidente Putin (según Surkov, el vicejefe de gobierno ruso).
Este film cuenta, a través de una historia de amor, cómo Polonia aprovechó la debilidad de Rusia, tras la muerte de Iván el Terrible, para invadir e impulsar la elección de Mijail, el primer zar de la dinastía Romanov. Todo un manifiesto político que hace uso del poder y el alcance real que tuvo y tiene el cine hoy en Rusia. Esta es la ocasión de recordar que fueron los rusos los grandes inventores del cine como un arma política, con descubrimientos como el “montaje intelectual” (que transmitía ideas concretas desde la compaginación del film) tan bien desarrollado por Sergei Eisenstein en películas como “OCTUBRE”, o “EL ACORAZADO POTEMKIN”.

Dicen que el 48 % de los rusos no sabe qué se celebra el 4 de noviembre. Bueno, ahora ya tienen una cinta que les da un punto de vista sobre la historia de su país, una versión oficial que habla de los intentos polacos por legitimar falsos zares en Rusia.
Ojalá se realicen varias películas más sobre el tema, sea ficción o documental, y que la gente pueda acceder a ellas libremente, ya que es sumamente importante que haya muchos puntos de vista en danza.

Fuera de las idas y venidas gubernamentales, seguir realizando y realizando en Rusia, sería un justo y franco homenaje a los grandes cineastas rusos como Ziga Vertov, el creador del “kino-pravda” (o “cine verdad”), que no fue otra cosa que el antecesor del género documental que pervive hasta nuestros días.

Heil Kino!

¿Quién se sienta en el sillón, con ganas y convencido, a ver una película alemana? Convencido convencido eh. Nadie. Sí, a simple vista es lento, pesado, silencioso, frío, gris, melancólico. Pero, PERO, algo cambió en esa concepción de los cineastas que nos aburrían y nos sumían en esa deuda existencial de un pueblo que por años se dedicó a repasar la culpa, ese elemento fatal que paraliza. Alemania es mucho, mucho más que solo el recuerdo del duro sello en la Historia de manos de un asesino sistemático con gran poder de persuasión (no,“monstruo” no, si lo deshumanizamos, le quitamos responsabilidad a sus actos), de eso no cabe duda. Los cineastas alemanes se dieron cuenta de ello a tiempo, y se pusieron a hacer un cine que los resitúa en el mapa cultural del mundo, sorprendiéndonos también con la revisión de esos cruentos temas del pasado (nazismo, Alemania oriental), pero con narraciones ágiles y sentido del humor, como en “GOODBYE, LENIN!” (2003) de Wolfgang Becker, uno de los cineastas que está formando parte de la Nueva Ola del Cine Alemán, con otros de su talla como Tom Tykwer con su “CORRE LOLA, CORRE” (1998, realizada con bajísimo presupuesto), o “SOPHIE SCHOLL” (2005) de Mark Rothemund y ganadora del Oso de Plata en Berlín, o “LA VIDA DE LOS OTROS” (2006, ganadora del Oscar a mejor película extranjera), o hasta “UN AMIGO MÍO” (2006), de Sebastián Schipper, road movie en el que dos amigos se lanzan a un viaje y comparten todo, hasta la novia.

Antes, decidirse por una película alemana, era condenarse de antemano a una penuria tremenda, era exponerse dos horas al fino fustazo de la eterna angustia que encarna la culpa. El nuevo cine alemán tiene otra perspectiva, que no es olvidar lo que sucedió, pero si dejar en claro que no merecen ser eternamente tratados como nazis. El cine alemán va a reposicionarse en manos de estos directores con nuevas miradas, ellos pueden y deben hacerlo, ya que talento narrativo y cinematográfico les sobra. Se dieron cuenta que su sentencia terminó.

¿Y donde está el libro?

¿Y donde está el libro? suelen preguntarme los que se animaron a leer CRÓNICA DEL HOMBRE SIN ESPALDA o CORTESMENTE.

Bueno, para responderles y agradecerles la lectura de los cuentos en el blog, les digo que el libro se puede encontrar en el sector de Bellas Artes en

* BAZAR THE CLINIC = José Miguel de la Barra 459

* Metales Pesados= José Miguel de la Barra 460

* Karma Libros = Merced 375

*Librería Mosqueto = Mosqueto 440

Pueden encontrarlo en LIBROSURA, Vergara casi Alameda (Metro los Héroes)

También está en el la librería frente a PLAZA BRASIL, en Compañía 2131.

En la ciudad de Córdoba, Argentina, está en
*Maidana Libros= Dean Funes y Gral. Paz

En la ciudad de Esquel, Argentina, está en
*Los Cuencos = Alvear 1125 (Frente a Informes Turísticos)
*Librería Macayo = 25 de Mayo 682
*Revistero Odriozola = 25 de Mayo y Rivadavia

En la ciudad de Estocolmo , Suecia

Instituto de Estudios de America Latina en la Universidad de Estocolmo, Suecia. Universitetsvägen 10 B, (Hus B, plan 5), 106 91 STOCKHOLM.

Telefono: +46 8 16 2887

Accesible para prestamo.

Como todo patagónico, el libro es un poco austero, casi pasa inadvertido, pero solo es cuestion de pedirlo, abrirlo y ver qué es lo que tiene adentro. Gracias a quienes me preguntaron.

Hecho en Asia

Así como se dice que los ojos son el espejo del alma, el cine es el reflejo de la cultura que lo ve nacer, y el nuevo cine independiente asiático no es la excepción. Alejándose de los centros tradicionales del continente (Japón, China, Hong Kong y Taiwán), las novedades orientales ahora vienen de lugares como Malasia, Singapur y Tailandia. Es el caso de “BE WITH ME” (2005) película singapuresa del director Eric Khoo, en la que una mujer ciega y sorda se interpreta a sí misma, y esta incomunicación física que padece pone en perspectiva los sufrimientos del resto de los personajes que ven en el ejemplo de Theresa Chan, una respuesta a su angustia. Cuidado, no es apta para ansiosos ya que solo media hora despues de comenzar, se oye la primera palabra.
La misma temática, un poco sumida en un ambiente depresivo, tiene “I DON’T WANT TO SLEEP ALONE” (2006), una película de Malasia, del director Tsai Ming-Liang, donde los personajes vagan en un sentimiento de tristeza y desajuste emocional.
El referente básico de este nuevo cine es la temática social y estética documental de la famosa Escuela de Cine de Taiwán de los 80, de donde provienen directores de la talla de Ang Lee (“Sensatez y Sentimientos”, “El secreto de la Montaña”) o Sylvia Chang con su película “Las tres edades del amor”, que es una mirada a la vida de las mujeres modernas. De todos modos también se encuentran miradas un poco más optimistas, o por lo menos cargadas de un movilizador sentido del humor como “EL ELEFANTE Y EL MAR” (2007) de Malasia, dirigida por Woo Ming Ji, que cuenta la vida cotidiana de dos sobrevivientes de una rara epidemia, siempre desde el humor absurdo.
En “HIERRO 3” de Kim Ki-Duk, casi no hablan, son poquísimos los personajes, pero es sumamente interesante la historia de estos “sobrevivientes” de su propias vidas.
Silencioso, pausado y reflexivo, el cine del sudeste asiático se basa en planos fijos y escases de diálogo hablado, pero no hay por qué temer, después de todo, el cine funcionó así en sus principios y nos dio los más memorables films de la historia.

El Lago Vintter

Cuando el sol salga a nuestra espalda,
y se lleve las dos sombras somnolientas
sobre la superficie arisca del Vintter,
es que no habrá quedado de aquellas vidas
un rincón oscuro, un enigmático pasado
escarbando sin cesar en las miradas.

Cuando salga el sol, y nuestras dos sombras
se deslicen por las aguas oscuras y agitadas,
un futuro esplendor les dará cobijo, allá,
entre cimbreantes cipreses y lengas centenarias
y voces ya olvidadas

que traerán los vientos para lamer con paciencia el tajo breve y seco.

Sangre y Primeros Planos

Sangre y primeros planos podría resumirse de las películas de Mel Gibson como director, productor, actor, guionista, y todos los roles que pueda acaparar. A Mel le gusta mucho impresionar, lejos de respetar el espíritu de las historias que cuenta, se dedica a extraer de ellas lo más extraordinario para exponerlo en la pantalla de la manera más grandilocuente posible. Y si no hay momentos extraordinarios en las historias puras, los inventa. Sus héroes son perfectos, luchan por objetivos más que dignos y no decaen jamás. Mel les quita humanidad, los saca de la contradicción humana y los pone en la estática eternidad de lo perfecto. Así vemos a un William Wallace en Corazón Valiente que no teme nada, que lucha por su pueblo, pero no en cualquier momento, sino cuando asesinaron de manera sangrienta a su mujer, su móvil personal se disfraza de causa colectiva en la película de Mel. En La Pasión de Cristo nos muestra a un Cristo chorreando sangre y en primeros planos todo el tiempo. Los primeros planos en cine son aterradores, insoportables si se los mantiene o se abusa de ellos, marean, estorban, agotan. Y eso parece querer hacernos Mel con tanto primer plano chorreando sangre.
Las mujeres no cuentan para Mel. Son débiles, poco potentes. La chica celta muere tranquila sin patalear ni hacer absolutamente nada, la Virgen María de Mel es una madre extraña que, lejos de morir de dolor y pelear como una fiera por su hijo (como haría cualquier madre humana), se esconde tras las columnas espiando el sufrimiento de Jesús. La mujer de Garra de Jaguar en Apocalypto, espera embarazada y con su hijito en un pozo mientras transcurre todo el drama. Mel muestra mujeres resignadas, poco potentes, poco mujeres.
Su última película, Apocalypto está situada en el fin de la civilización maya, y Mel (bastante contradicción surgió a partir del supuesto mal uso del lenguaje maya y la mezcla de datos históricos inexactos) insiste en hacer chorrear bastante sangre. Finalmente nos muestra una historia poco verosímil desde el guión. El personaje principal no se cansa nunca de correr, no termina nunca para él la tragedia, ni siquiera se asombra cuando ve carabelas españolas llegando a su tierra americana.
Las películas de Mel son una sucesión de hechos trágicos, la persecución no se acaba nunca, la muerte no se acaba nunca, el dolor no se acaba nunca, la sangre no se acaba nunca, y los primeros planos son eternos.
Los personajes de Mel son demasiado fuertes, demasiado dignos, demasiado buenos, demasiado héroes. No sienten miedo, ni codicia, ni sed de gloria. No son inseguros ni vanidosos, ni injustos. Los personajes de Mel no son seres humanos.

Bienvenid@

Estimado Lector,

si llegaste hasta aqui, es porque me conoces, conoces lo que escribo o simplemente porque encontraste el blog en esta extensa red, sin buscarlo.

A veces pasa eso, las palabras, puestas en algun lugar, toman vida, rompen la inmovilidad y hacen un camino solas.

VERNOS

Va a ser vernos y aferrarnos
vernos y rodearnos
alejarnos y vernos.
Y nos tendremos que perdonar
si la desaparición de ambos se vuelve imprescindible,
si cada uno se lame el rasguño del destino.

Va a ser vernos y quedarnos
o vernos y borrarnos.